Il futuro della musica ha ancora il suono degli anni Ottanta. Il caso Dixon e Stein con “Stranger Things”

“Siamo passati dall’essere completamente sconosciuti a diventare famosi nel giro di un fine settimana. La prima stagione di Stranger Things è stata un successo immediato, qualcosa che non avremmo mai potuto prevedere. Noi due abbiamo semplicemente fatto il nostro lavoro”. Kyle Dixon e Michael Stein, musicisti e compositori statunitensi, membri della band elettronica Survive e autori della colonna sonora originale di Stranger Things, compreso il tema iniziale della serie, raccontano al Foglio l’improvvisa popolarità arrivata grazie a Netflix, il rapporto con la musica degli anni Ottanta e le trasformazioni dell’industria musicale nell’era dell’intelligenza artificiale. Per il loro lavoro sulla serie hanno vinto un Emmy e ottenuto due nomination ai Grammy. Giovedì 19 novembre saranno nella Sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone di Roma con uno spettacolo che attraversa le musiche delle cinque stagioni. “Proponiamo una selezione di brani che alterna momenti più cupi e spaventosi ad altri più teneri”. Non sarà una semplice sonorizzazione degli episodi, ma uno spettacolo in cui il gioco di luci servirà “per aggiungere un effetto drammatico e cinematografico alla musica”.

La serie, continuano i due artisti, “ha cambiato completamente le nostre vite. Prima lavoravamo per altre persone, mentre adesso siamo riusciti a lavorare soprattutto per noi stessi. Ci ha dato molta più libertà e la possibilità di prendere sul serio la musica come professione”. Il successo, però, non li ha trasformati in celebrità irraggiungibili. “In un certo senso siamo ancora anonimi. Possiamo muoverci liberamente nel mondo e non siamo persone che vengono fermate continuamente per un autografo quando escono dall’albergo”. C’è anche una soddisfazione più personale, quella di sapere di aver avvicinato qualcuno alla musica. “Mi piace incontrare persone giovani che mi dicono di essere state influenzate da noi o di aver scoperto nuova musica grazie a noi”. Anche se, ammettono, “è difficile credere davvero che il nostro lavoro possa avere lo stesso impatto che altri musicisti hanno avuto su di noi”.

Il loro rapporto con gli anni Ottanta, tuttavia, è meno nostalgico di quanto si potrebbe immaginare. Entrambi erano bambini in quel decennio e la loro idea di quegli anni è “un’immagine costruita successivamente”. La musica, però, è rimasta un riferimento importante: “Abbiamo ascoltato molte canzoni di quel decennio, probabilmente più di quanto ci rendessimo conto, anche grazie alle radio pop che continuavano a riproporla”. Con la televisione il rapporto è stato diverso. “Non ho molti ricordi dei programmi di quegli anni, ma mi piaceva molto la serie originale di MacGyver”, racconta Stein.

Perché allora la cultura popolare guarda costantemente agli anni Ottanta? “Avevo sentito dire che tutto segue cicli di 20 o 25 anni. Quello che era popolare allora torna perché c’è una nuova generazione che lo scopre”, racconta Dixon. Ma non è soltanto una questione di ricambio generazionale. “Gli anni Ottanta sono stati un periodo in cui i suoni elettronici e sintetici e gli effetti speciali hanno cominciato a esplorare possibilità diverse. La tecnologia è cambiata e le persone hanno iniziato a sperimentare molto velocemente, creando una grande varietà di musica, immagini e tecniche”, spiegano. Poi, con l’arrivo degli anni Novanta, una parte di quell’estetica è stata abbandonata dal mainstream, senza però scomparire dalla musica underground. “Forse oggi guardiamo alle prime versioni di quelle tecnologie con una certa fascinazione. Ma l’immagine degli anni Ottanta è diversa per ciascuno di noi”.

Sul futuro della musica elettronica, i due musicisti non sembrano particolarmente impressionati dalla continua evoluzione degli strumenti. “L’innovazione consiste nell’affrontare qualcosa di familiare da una prospettiva diversa, oppure nel combinare due elementi che normalmente non stanno insieme”. E aggiungono: “Non crediamo che ci siano molte idee completamente nuove. Si possono ricondurre la maggior parte delle cose a elementi piuttosto semplici, ma questo non significa sminuire quello che viene creato”. Il punto, insomma, non è soltanto il suono, ma oggi “è più facile che mai produrre musica generica, utilizzando campioni, modelli, preset e strumenti che permettono di suonare come tutti gli altri. Anche l’intelligenza artificiale può essere usata per copiare qualcosa. Ma si può essere altrettanto derivativi anche seguendo una strada accademica e cercando di fare musica come John Williams. L’originalità dipende dalle idee che stanno dietro alla musica, non dal fatto che sia elettronica o meno”.

Proprio sull’intelligenza artificiale il discorso si fa più netto. “Non crediamo che avrà un effetto sulla nostra musica, se non quello di renderci più semplici alcune operazioni”. Il problema, per loro, è il rischio che la tecnologia finisca per sostituire il lavoro creativo. “Se qualcuno può fare qualcosa spendendo meno, lo farà. Ma perché cercare di portare via l’arte invece di fare qualcosa di buono per le persone, come produrre medicine a basso costo?”. I due musicisti non rifiutano ogni applicazione dell’IA, purché resti uno strumento al servizio della creatività. “La domanda è quanto impari davvero quando qualcosa fa tutto al posto tuo”. Sono quindi pronti a utilizzare tecnologie che semplificano il lavoro, per esempio “quelle che consentono di isolare i singoli strumenti in una vecchia registrazione”. Diverso è chiedere all’AI di comporre un brano al posto loro: “Non abbiamo alcun interesse a farlo. Il bello è proprio il processo di creazione”.

Infine resta la questione più difficile per chi ha legato il proprio nome a un successo internazionale: come evitare di rimanerne prigionieri? “È quello con cui ci confrontiamo quotidianamente. Bisogna fare qualcosa di diverso che diventi altrettanto popolare di ciò che ti ha reso famoso. Ma le probabilità di riuscirci sono piuttosto basse”. Ripetere la formula di Stranger Things, del resto, non sarebbe una soluzione, perché “ci annoierebbe”. La strada da perseguire è quella di “sviluppare collaborazioni interessanti, affrontare nuovi progetti con registi che si fidano di te e sostenere le loro idee. Creare insieme qualcosa di nuovo, sperando che non sia soltanto una derivazione di quello che hai già fatto. E magari uno di questi progetti diventerà popolare. Noi faremo musica, avrà un certo suono e le persone potranno ascoltarla oppure no”.